Algo Ahí de Billy Hare (Lima, 1946) tiene su origen en el registro de sombras en movimiento proyectadas sobre un muro de adobe. En ella se apela al fenómeno de la pareidolia, en el cual un estímulo vago y aleatorio es percibido erróneamente como una forma reconocible. En este caso, la pareidolia sugiere al espectador reconocer formas humanas entre las sombras. Con el tiempo, esta se revela como una de las múltiples ‘soluciones’ posibles al acertijo que plantean las imágenes.

Durante su estancia en Kabul como parte del staff de fotógrafos de la agencia Associated Press, Rodrigo  Abd (Buenos Aires, 1976) realizó una serie de retratos enigmáticos. Realizados con una cámara tradicional de madera de principios del siglo XX, el mecanismo permitió un acercamiento honesto a individuos de la sociedad afgana.

7:17, de Fernando Fujimoto (Lima, 1977), explora la vida como condición vulnerable e imágenes de la cercanía a la muerte.

Policía de Fernando Fujimoto (Lima, 1977) es una exploración de las normas interiorizadas y reforzadas socialmente que regulan la vida humana, desde nuestra propia subjetividad, y como estas se refuerzan y legitiman en los medios. Una fuerza invisible que define nuestros modos de ser, hacer y decir.

SN/T, segundo libro de Fernando Fujimoto (Lima, 1977) plantea un tránsito desde lo concreto hasta lo abstracto, detonado por un suceso vinculado con la muerte. Se plantea una reflexión sobre el cuerpo difunto, y a partir de él, sobre el cuerpo de la fotografía.

Memorial, proyecto de Julián Barón (Castellón, 1978), es una serie de fotocopias manipuladas del archivo del grupo teatral peruano Yuyachkani. Una selección de ese archivo es dispuesta a la entrada de Sin Título, puesta en escena que cuestiona la construcción de la memoria histórica nacional y sus símbolos. Las transformaciones y deformaciones en los documentos indagan sobre la relación entre las imágenes de violencia, los símbolos nacionales y el dinero.

La Primera Piedra de Musuk Nolte (México D.F., 1989) recopila imágenes de las ceremonias protocolares de colocación de “la primera piedra” en obras de infraestructura del Estado Peruano. Las fotografías incluyen desde actos de gran importancia, como el del “Lugar de la Memoria, Tolerancia e Inclusión Social”, hasta obras menores de lozas deportivas en pueblos del interior del Perú. La deliberada repetición de estas imágenes dentro del libro hace evidente el carácter que estas han adquirido, como acto enigmático, solemne y hasta poético.

Flor de Toé, del colectivo peruano Versus Photo, nos revela el camino hacia una dimensión paralela, al igual que la corteza de la ayahuasca en rituales amazónicos ancestrale,. Un lugar donde los sentidos deben estar alertas, y los mitos que narran los maestros se materializan. Una dimensión donde la selva está desnuda y sus habitantes en estado salvaje. Donde los espíritus y los animales están en constante transformación. 

IMPIUS de Mauricio Toro-Goya (Vallenar, 1970) presenta imágenes autobiográficas, afectivas, violentas y perturbadoras que enuncian, a través de múltiples símbolos en colisión, las contradicciones de las culturas latinoamericanas y su figuración conceptual respecto de la modernidad. A través de múltiples imaginarios políticos y religiosos como el virreinal, se ponen en cuestión los elementos legitimarios que contribuyeron a crear sentido de pertenencia a comunidades imaginadas en los habitantes de un territorio como Latinoamérica.

Llano, de Juanita Escobar (Cali, 1985), une la búsqueda por documentar los Llanos Orientales de Colombia y la experiencia vital de la fotógrafa, quien poco a poco fue integrándose a la cultura de los llaneros. En estancias sucesivas a lo largo de los años, su visión pasó de una externa a una compenetrada e identificada con la rutina en el campo, la relación con los caballos y el trabajo con la naturaleza como una forma de vivir y sentir intensamente.

La velocidad de la deriva de Musuk Nolte (México D.F., 1988) es una serie de fotografías de paisajes del desierto peruano, región cargada de sentido por su historia precolombina y artística. Esta visión paisajística es interrumpida por el error generado por la máquina fotográfica, creando vacíos y superposiciones que aglomeran el espacio, condensan el tiempo y superponen, a través de estas interrupciones al horizonte, el recorrido del autor.

Sombra de isla, de Musuk Nolte (México D.F., 1989), es un proyecto realizado en Cuba que captura al territorio y a sus habitantes esquivando las representaciones convencionales del país. Las imágenes transitan entre la penumbra y la luz, que ilumina el encuentro del fotógrafo con una subjetividad insular, latente en cada individuo, creando un retrato complejo. Una presencia que aglomera sujetos, historia y geografía. Imágenes que descubren la isla en cada uno de sus habitantes.

La casa que sangra, de Yael Martínez (Taxco, 1984), documenta las fracturas psicológicas y emocionales que genera una pérdida en el núcleo familiar. Explora las claves sociales y culturales operan al confrontar la muerte. Sus imágenes hacen hablar al espacio íntimo, donde lo personal es social y el testimonio de una familia se convierte en el testimonio de muchas más, en tránsito hacia la ruptura del tejido colectivo mexicano. *2nd place Long term projects, World Press Photo 2021, Eugene Smith Prize 2020, Best international book at FELIFA 2021, Finalist APERTURE Photobook Prize 2020.

Ver, de Gabriel Valansi (Buenos Aires, 1959), es un mundo de restos, un escenario vaciado en el que la ausencia casi total de vida humana, animal o vegetal, expone inquietantes rastros. La luz natural no existe. Ver no es abrir los ojos, es buscar donde en apariencia no hay nada, es detenerse en la escena de un acontecimiento nimio para encontrar una huella hecha de los materiales bastos y degradados de una civilización también degradada. Focos y haces de luz artificial hacen detectables las marcas en paredes y pavimentos. El plástico reemplaza a la naturaleza. Y Valansi apunta sobre espacios y fragmentos que, sabiendo apenas qué son o qué fueron, reconocemos sin embargo como cercanos. Una atmósfera lyncheana surge del mundo en el que nos movemos a diario, y el relato que logremos construir será el de nuestras propias vidas allí alojadas. Verónica Tell

Orinoco, de Juanita Escobar (Cali, 1985) y Carlos César Ortegón, es un ensayo visual y literario que parte de la metáfora de un remolino, que pone a girar muchas historias y voces de la frontera rural entre Colombia y Venezuela. En su vórtice se siente el ahogo, el naufragio, la deriva que se expresa a través de los relatos. También los sueños y la dignidad de quienes han hecho una vida independiente de cualquier Estado y que siempre han sido sobrevivientes en esta lejanía, que ahora cuentan su versión de la actual crisis de la frontera. Aquí la frontera se vuelve un cuerpo, una intimidad, y lleva diferentes nombres de personas y de lugares que construyen un mapa social de esta línea de 300 km de río Orinoco que separa ambos países.

Desaparecidos, de Fernando Fujimoto (Lima, 1977), presenta imágenes informes, veladas y marcadas, con apenas presencias figurativa. La naturaleza del libro, que se asemeja a un folder de documentos, enmarca la lectura. En este espacio vacío, las imágenes sugieren un desvanecimiento y una antigüedad, pero las huellas solo implican la apariencia de que algo pasó por ellas.

A partir del día y la noche, el proyecto retrata la psicogeografía de la ciudad de Lima y la relación entre el paisaje urbano y el retrato, funcionando como elementos que por asociación conforman una suerte de identidad topográfica.

P’unchaw, es un fotolibro que explora la ciudad del Cusco, la antigua capital inca, partiendo por la observación del Sol, la luz y la sombra, que termina por materializarse en oro, elemento de admiración por los incas que representaba a su dios más importantes el sol.

La publicación recopila imágenes, stills, fragmentos del guion y textos relacionados que acompañaron el proceso de creación de la pelicula “Diógenes” del director Leonardo Barbuy, grabado en las montañas de la comunidad de Sarhua en Ayacucho. - Sinopsis: En los Andes peruanos, dos hermanos son criados en aislamiento por Diógenes, su padre, un pintor de Tablas de Sarhua. Cada cierto tiempo, Diógenes intercambia sus pinturas en el pueblo por provisiones, mientras sus hijos le esperan, cuidados por sus perros. Una mañana, Diógenes no se despierta. Sabina y Santiago conviven durante tres días con el cadáver de su padre, anhelando que deje de dormir. El confrontar la muerte y reconocerla, llevará a Sabina a ir en búsqueda de su pasado y supervivencia.

OSCURANA es un cuerpo de trabajo nacido de diferentes viajes realizados por Antoine dAgata a lo largo de más de 30 años en Brasil, Perú, Nicaragua, El Salvador, Ecuador, Bolivia, Guatemala, Haití, Puerto Rico, Estados Unidos, Cuba y México. Las imágenes fluyen a lo largo del libro, llevándonos del dolor, la soledad y la desolación al deseo, la pasión, la muerte y la línea frágil que nos une y nos divide. La mirada del autor permanece siempre en el límite entre la conciencia y la inmersión en la oscuridad, la sensualidad y el dolor. Poniendo el propio cuerpo como un espacio de resistencia a los limites de la condicion humana.

R3VQLVX1QN de Fernando Fujimoto (Lima 1977)

Notables paisajes logrados por un violonchelista y fotógrafo aficionado: Guillermo Montesinos Pastor (1877-1925). Para Andrés Garay y Jorge Villacorta, editores del libro que difunde por primera vez la obra de Montesinos Pastor, nos encontramos ante “el primer creador peruano de una visión netamente expresiva de una interioridad individual, volcada sobre el paisaje”. A diferencia de otros fotógrafos contemporáneos suyos como Max T. Vargas, Emilio Díaz, o los hermanos Vargas; Montesinos no estuvo vinculado al uso comercial de la fotografía, y recurrió a esta solo para expresar su espíritu contemplativo frente a la campiña arequipeña, el marco de volcanes, cielos y nubes deslumbrantes y su propio hogar.Se trata en definitiva de un fotógrafo solitario y libre ante la naturaleza, observador discreto y silencioso, que trabaja en el ámbito privado con apasionamiento, y que aunque estuvo alejado del oficio fotográfico, obtuvo en vida reconocimiento del Centro Artístico de Arequipa en 1

Este proyecto es una iniciativa gestada a través de una convocatoria abierta de colaboración a nivel nacional, buscando dar testimonio visual y escrito de la crisis política y social ocurrida en el mes de noviembre del 2020.  Se ha realizado una selección de imágenes en base al trabajo de más de 200 fotógrafas y fotógrafos de distintas regiones del país. La publicación fue distribuida de manera gratuita en las ceremonias de vigilia en conmemoracion de Inti Sotelo y Bryan Pintado. Dos jovenes asesinados por la represión policial del régimen de Merino.

Este libro es el resultado de un viaje de cinco años que retrata las historias de las hermanas cimarronas en Ecuador, quienes, desde su espiritualidad, abrieron caminos de libertad para toda la humanidad. La publicación incluye un Fanzine, como creación colectiva entre mujeres negras de diferentes generaciones que comparten sus historias propias y comunitarias.

Guerrero es uno de los estados mas violentos y pobres de Mexico, pero es también uno de los mas ricos culturalmente. El drama es parte de la vida diaria. Niños, Mujeres y demás habitantes viven conviviendo diariamente con las flores de amapola. Las riegan, las cuidan y las cosechan para después ser vendidas al mejor comprador. Muchos no saben o no quieren saber para que son. Ellos ven la planta de amapola como otro producto del campo, una cosecha mas que les da en ocasiones solo lo necesario para sobrevivir ya que no pueden depender solamente del maíz. El objetivo de este proyecto es el de documentar los rápidos cambios de las comunidades en la Montaña de Guerrero, en la Montaña Roja, y comprender su desplazamiento, aislamiento y pobreza, así como la cultura, tradiciones, economía y dinámicas de poder. *Libro seleccionado por el MoMa como uno de los mejores fotolibros del 2022.

Iluikak, que en Nahuatl significa “cerca del cielo”, fue desarrollado en la sierra de Zongolica (Veracruz) y propone un espacio no solamente para que las visiones y los símbolos de la montaña surjan, sino para crear un imaginario al mismo tiempo abstracto y concreto a partir de la relación pendular entre lo visible y lo invisible.

Quiulacocha es un ensayo visual que utiliza los procesos de alquimia fotográfica como medio y metáfora para abordar el impacto que produce la minería en la salud de la población que habita en los alrededores de la ciudad de Cerro de Pasco, lugar que durante muchos años fue el epicentro de la actividad minera en el Perú. Marco Garro, fotógrafo peruano que ha trabajado en historias sobre extractivismo en diversas zonas del país y que además lleva más de 15 años trabajando en Cerro de Pasco, recogió muestras del agua tóxica de los relaves vertidos en la laguna de Quiulacocha, para luego utilizarlas en el revelado de las fotografías que había producido, retratando el entorno y a la población afectada. Principalmente, niños de la asociación “34 familias, intoxicados por metales pesados en Cerro de Pasco", quienes colaboraron compartiendo información sobre sus casos, así como brindaron testimonio de las afecciones que están afectando su salud.